Digital Media &
Experiment

Um die Welt zu erkennen, ist es wichtig, zunächst die Intensität, die Perspektive und die Form zu wählen, aus der man sie betrachten möchte. Flechten erschaffen Welten, in denen sich ein Organismus zu einem Ökosystem entfaltet und ein Ökosystem einen Organismus nährt. Denn sie wechseln hin und her zwischen ihrem Selbst, dem Ganzen und der Gesamtheit ihrer Teile. Wo beginnt ein Organismus und wo endet er? Das Material dieser künstlerischen Recherche umfasst Ton-, Foto- und Videomaterial sowie digitale Scans von Flechten, um deren transformatives Verhalten in Bezug auf Form und Zeit zu entschlüsseln. Gibt es weitere Ebenen und Prozesse, die sich auf einer für unsere Augen unsichtbaren Skala bewegen; die auf Zeitskalen stattfinden, die unsere Sinne nicht erfassen können? Ausgehend von der Faszination des Andersseins konzentriert sich diese Arbeit auf die Kunst der Wahrnehmung, um die unerwarteten Realitäten dieser Organismen zu erfassen. Das Ergebnis ist eine immersive, audiovisuelle und bewegungssensorische Installation als Erfahrung von Natur, Raum und Zeit.Im Rahmen mehrerer Feldstudien in den finnischen Wäldern wurden Flechten über einen längeren Zeitraum hinweg wiederholt besucht, untersucht, gezeichnet, vermessen, bestimmt und kartiert. Im Rahmen meiner intensiven Auseinandersetzung mit dem Organismus der Flechte sowie ihrer zeitlichen und räumlichen Lokalisierung entstanden investigatives Makro-Foto- und Videomaterial sowie hochauflösende 3D-Fotogrammetrie-Scans verschiedener Flechtenarten. Das Bewegtbildmaterial wurde verlangsamt und zu einem sich wiederholenden Video bearbeitet, das im Vollformat in den Ausstellungsraum projiziert wird. Das Ergebnis ist ein allumfassendes Portal im realen Raum, durch das sich der Betrachter als Teil des Flechtenökosystems wiederfindet. Mit Hilfe hochempfindlicher Mikrofone, Hydrophone und Geophone sowie eines tragbaren Aufnahmegeräts habe ich elektromagnetische Impulse der Flechte im Boden und die Umgebungsgeräusche ihrer Umgebung vor Ort archiviert. Die gesammelten Klänge wurden im Labor analysiert und zu einzelnen Sequenzen zusammengestellt. Eine einzelne Aufnahme speist eine aquadrophonische Klanginstallation, die sich mit den Umgebungsgeräuschen des Ausstellungsraums vermischt. In deren Zentrum ist eine echte Trichterflechte auf einem beleuchteten Sockel positioniert. Wenn sich Menschen der Installation nähern, verwandelt sich der Soundtrack in ein undefiniertes Rauschen. Je geringer der Abstand zur Flechte, desto intensiver ist die hörbare Veränderung. Die bewegungsbezogene sensorische Veränderung deutet auf eine Interaktion zwischen Menschen und Flechten hin und wirft die Frage nach den Möglichkeiten der Kommunikation und der Beziehungen zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Organismen auf.

This artistic seminar aimed to explore trans humanist concepts through the use of face masks. The focus was on critically questioning the history and contemporary culture of masks, as well as introducing new ideas. Masks are seen as a way to transcend one's own identity and engage with non-human life forms, as observed inanimist cultures. They provide agency to spirits, ancestors, or natural forces. However, in a contemporary context where gods are not widely acknowledged and nature is often viewed as "the other," the significance of this practice is worth examining.Identity and anonymity are fraught with political implications and power dynamics. In the digital age, the right to anonymity is constantly under threat, with biometric data being stored and centralized without consent. Therefore, concealment can be seen as a political act. The seminar explored how concealment and the use of masks can contribute to self-determination and protect gender identity and other forms of self-expression from external influence.

Throughout the seminar Machines of Loving Grace, the students examined the entanglement of technology, power, and the body in an age where control is exercised through invisible systems. The collection traces how technical infrastructures are intertwined with violence, governance, and forms of extraction that operate below the threshold of perception.

Across sculptural, media-based, and data-driven practices, the works address the tensions between visibility and concealment, agency and automation, care and coercion. Encryption, interfaces, and measurement systems are unmasked as mechanisms through which power is organized, distributed, and withheld. Data is treated as an active material that acts on bodies, shaping behavior, sensation, and decision-making.

In Machines of Loving Grace, Countertechnology emerges as a critical strategy for artistic practice. By misusing, repurposing, or exposing technological systems, the works interrupt narratives of progress and efficiency. What emerges is a politically orchestrated loss of control. Autonomy is promised while being continuously undermined. The works do not offer solutions, but open a space to sense, question, and resist the infrastructures that quietly govern contemporary life.

In June 2023, students enrolled in the course “Together We Are Robots,” led by Prof. Herwig Scherabon, designed an exhibition at Dock 11 in Berlin that marked the conclusion of a semester of research and experimentation with artificial intelligence. While current concerns and discourse on this topic focus on the ethics of using third-party artistic material to train AI models, the students wanted to go beyond the standard discourse and also included philosophical, political, and sociological positions in their research. In Together We Are Robots, they present a broad spectrum of positions such as non-human perspectives, post-human concepts, and utopian and dystopian scenarios. Topics such as agency, sentience, and ethics are deeply woven into the fabric of their concepts.

From the primordial darkness of mystery, perfect bodies emerge, solemn, excited, as if seeing everything for the first time. Strength, pain, and devotion mark their faces. Are they the goddesses and gods who created us? Or are they the first human beings hatching from the egg of history? Are we the images of the goddesses and gods? Or did we shape them in our own image in order to worship ourselves in them? Do we see the incarnation of the gods or the deification of humans in dance, in the struggle for what is right, in the battle of good against evil, in the rebellion of the individual against fate? Armor elements and helmets seem to refer to modern sports such as rugby, ice hockey, or baseball. Their heroes enter the Hall of Fame like the gods enter Olympus.Does this happen on the oldest or youngest day? Is it a new beginning or the dawn of the gods? In his study Keeping Together in Time, American historian William H. McNeill described how human cohesion develops in stressful situations as soon as instruments or voices set a rhythm. Dancing, marching, and rowing, for example, have a common origin in the human need for “muscular bonding.” In cultural history, courtly dance steps and elegant competitive sports (e.g., fencing, archery, ball games) developed as forms of expression of physical and self-control. Drill and discipline are the flip side of intoxication and ecstasy, just as the Apollonian was opposed to the Dionysian. However, both self-formation and self-transcendence are inherent in the innate endowment of humans with drives and rationality. Cultures and religions have always mediated between these forces, between chaos and order. These forces are embodied as figures acting in space. Garments as second skins of the natural body emphasize these effects, provide support and protection, react to movements or produce them. – Prof. Anna ZikaThe project was developed as a collaboration between the Design Department of Bielefeld University of Applied Sciences and the Center for Contemporary Dance Cologne.The fashion videos were created in the “Transcendentia” workshop under the production management of lecturer Marcus Wildelau, in which students from the DMX and fashion design departments participated together. Technical support for the workshop was provided by Tobias Bongartz, Kim Groche, and Nils Pisarsky. Thanks to everyone involved!

„Nature Illusion: Zwischen virtueller und realer Natur“ ist eine Installation, die den Einfluss der Technologie auf unsere Wahrnehmung und unser Verständnis der Natur untersucht. Insbesondere zeigt sie, wie der Einsatz von Virtual Reality dazu beitragen kann, Naturerlebnisse in die virtuelle Welt zu verlagern. Dies kann dazu führen, dass wir einen Verlust an Naturerfahrung erleben. Gleichzeitig wirft die Installation die Frage auf, ob die Vorstellung von „echter“ und unberührter Natur tatsächlich eine Illusion ist, die uns daran hindert, die Auswirkungen unserer Aktivitäten auf die Natur vollständig zu erfassen und zu verstehen.

In rasanter Folge erleben wir eine Reihung digital generierter Bilder auf Basis von Textkommandos an eine künstliche Intelligenz, konkret dem Deep Learning Text-zu-Bild Generator Stable Diffusion. Unbestimmte organische Formen verwandeln sich in Landschaften, geometrische Körper werden zu virtuellen Architekturen. Durch ihren eigentümlich vertrauten Realismus erscheint die Bilderflut wie eine Reise durch Mikround Makrokosmen, ohne sich konkret auf reale Orte oder Dinge zu beziehen. Die Animation ist in Reaktion auf die modernisierte Soundästhetik der klassischen Musikvorlage entstanden. (Gigue der 6. Suite von J.S. Bach recomposed by Peter Gregson)

„Snowmotion“ ist eine 3-Kanal-Monitorinstallation, die in einem kleinen, leeren Raum gezeigt wird. Die Monitore sollen als „Fenster“ im Raum fungieren und die „Bewegung des Schnees“ darstellen. Das erste Video, das in einer Ecke gegenüber dem Eingang auf einem vertikal ausgerichteten Monitor zu sehen ist, zeigt lediglich das Bewegungsdiagramm von fallendem und schmelzendem Schnee. Die Videos links und rechts, die beide auf horizontal ausgerichteten Monitoren gezeigt werden, zeigen Diagramme von Schnee, der auf bestimmte Objekte fällt. Auf der einen Seite ein Paar Pilze und auf der anderen ein hängendes Blatt, das sanft im Wind weht. Die Betrachter können sich frei im Raum bewegen und sich den „Fenstern“ nach Belieben nähern oder von ihnen entfernen.Der kleine, leere Raum regt den Betrachter dazu an, sich ganz auf die langsame und subtile Bewegung des Schnees zu konzentrieren, während er auf die dargestellten Oberflächen fällt und schließlich schmilzt. Der Betrachter soll sich entspannt und wohlfühlen. Die Welt ist verlangsamt, aber gleichzeitig kühl und aufmerksam. Der Fokus liegt auf einer Bewegung, die wir normalerweise nicht bewusst wahrnehmen würden. Der Betrachter ist eingeladen, sich Zeit zu nehmen, um die subtile Bewegung des Videos zu genießen und die Welt um sich herum für einen Moment zu vergessen. Das ursprüngliche Bild selbst wird meist ausgeblendet, um eine andere und veränderte Wahrnehmung einer einst vertrauten Realität zu ermöglichen. Der starke Kontrast von Schwarz und Weiß und die langsame, atmosphärische Musik, die den Raum erfüllt, betonen die Bewegung zusätzlich und ermöglichen es dem Betrachter, mühelos in die dargestellte Realität einzutauchen.

Die Automatisierung der Arbeit, die Digitalisierung unseres Lebens. Computer erledigen fast alles für uns. Wie kommunizieren Maschinen miteinander? Die Panmühle, die wichtigste Maschine im Raum, diente als Mahlwerk für den Ton, der zu Ziegeln verarbeitet werden sollte, und wird durch die projizierten Animationen in einen neuen Kontext gestellt und als Hauptprojektionsfläche genutzt. Die Metapher der dunklen Fabrik – der verlassenen Fabrik –, ein Zukunftsbild, das heute bereits Realität zu sein scheint, schreitet weiter voran. Maschinen werden den Menschen zunehmend in Tätigkeiten ersetzen, für die die Gesellschaft keinen Bedarf mehr hat. Die Zukunft der Arbeit wird von den gesellschaftlichen Auswirkungen der Digitalisierung bestimmt werden.

In „The Embodiment“ beschäftigen wir uns mit dem ortsspezifischen Prozess der Ziegelherstellung, von der Aufbereitung des Rohmaterials bis zum Brennvorgang. Das Ziegelwerk-Museum Lage vermittelt eine regionale und längst vergangene Geschichte in einer sehr monotonen Präsentationsform, die im Grunde nur von den Menschen, die damals dort lebten und arbeiteten, an nachfolgende jüngere Generationen weitergegeben wurde. Um diese Geschichte vor dem Vergessen zu bewahren, wird sie mit Hilfe von Technologien des 21. Jahrhunderts an heutige und zukünftige Generationen vermittelt. Das Ziel dieser Medieninstallation ist es daher, die jahrhundertealte Arbeitsgeschichte der Lageer Ziegelei nicht nur der mittlerweile aussterbenden Zielgruppe auf audiovisuelle und physisch greifbare Weise zu vermitteln, sondern auch ein viel breiteres, bisher uninformiertes Publikum anzusprechen. Die Medieninstallation beschränkt sich auf den Bereich am Ende des Brennofens. Dies unterstützt das physische Erlebnis und unterstreicht die Informationen, die durch die visuelle Darstellung des Brennprozesses vermittelt werden.

Nach unseren Erfahrungen kategorisieren und bewerten wir andere Menschen unbewusst innerhalb von Sekunden. Diese Voreingenommenheit wird als implizite Voreingenommenheit bezeichnet. Sie ist das Ergebnis erlernter Assoziationen, die wir auf unsere Umgebung projizieren und dadurch eine verzerrte Realität schaffen. Rassismus als System prägt soziale Strukturen und beeinflusst diesen Entwicklungsprozess entsprechend. „The Inner Life of Your Bias“ ist eine interaktive Installation, die Nutzer dazu einlädt, ihre eigenen Vorurteile zu entdecken. Ein Vorurteil wird mithilfe des Implicit Association Test ermittelt, einer Messmethode, die die Stärke von Assoziationen zwischen einzelnen Elementen im Gedächtnis misst. Diese wird dann im übertragenen Sinne auf den Nutzer projiziert.

Im Rahmen der Modenschau 2020 präsentieren Studierende und Absolventen des Fachbereichs Design der Fachhochschule Bielefeld am 24. und 25. Januar 2020 im WissensWerkStadt Bielefeld ihre Semesterprojekte und Abschlusskollektionen.Mode kleidet uns – und ist ein Medium, um Positionen, Wünsche und Fragen an die Gesellschaft zu richten. Modedesigner*innen setzen ihre Ideen in Kleidung um und finden so einen spezifischen Ausdruck für ihre Zeit. In ihren Seminararbeiten und Kollektionen beschäftigen sich Studierende und Absolvent*innen mit Identität und Gender, Recycling und Nachhaltigkeit, Handwerkskunst und Herkunft – Themen und Positionen, die aktuelle gesellschaftliche Diskurse widerspiegeln.Die Modenschau wird durch „Digital Media and Experiment“, den neuen Studiengang am Fachbereich Design, ergänzt. Mit Methoden der experimentellen Animation, Augmented Reality und Interaktionsdesign verarbeiten Studierende Fotos, Videos, Textilien und Konzepttexte aus den präsentierten Kollektionen. So wird sichtbar, was hinter dem kreativen Prozess des Modedesigns steckt.Präsentiert werden eine Video-Bühnenkulisse, eine interaktive Fotobox und virtuelle animierte Plakate. Diese medialen Interventionen machen die Veranstaltung zu einem offenen Kunstwerk, das die Besucher*innen dazu einlädt, sich selbst in Szene zu setzen und im digitalen Raum zu reflektieren. Im Geiste von Remix und Collage werden die Besucher*innen so zu Mitgestalter*innen und Protagonist*innen der crossmedialen Inszenierung der Modenschau.Die von Bielefeld Marketing geplante WissensWerkStadt, deren Konzept darin besteht, das Gebäude als Werkstatt für Wissenstransfer im Herzen der Stadt zu positionieren, schafft eine Plattform für den Dialog zwischen der städtischen Gesellschaft und unserer Inszenierung von Mode.

Was beobachten Überwachungskameras, wenn alle zu Hause sind und die Innenstädte leer bleiben? „The Inner Life of Perceptive Machines“ zeigt, wie es aussehen könnte, wenn gelangweilte Algorithmen anfangen, sich Menschen vorzustellen, wo gar keine sind. Durch die Augen des Algorithmus erwacht die verlassene Stadt Nancy zum Leben. Bilder aus Google Street View werden mithilfe einer Technik namens „Deep Dream“ in ein traumähnliches Szenario verwandelt, in dem alle möglichen humanoiden Wesen geschäftig umherzuwuseln scheinen.